Soyez conscient en noir et blanc

Le photographe et tuteur Paul Sanders explique comment le fait de se débarrasser de l’encombrement des couleurs l’aide à réaliser des images uniques et convaincantes.

C’est le coucher du soleil sur la côte du Pembrokeshire et Paul Sanders cadre la courbe d’un bras de mer avec son GFX100S. Les couchers de soleil flamboyants ne sont pas une attraction habituelle pour le photographe monochrome, mais si l’on en croit l’effort de Paul, les opinions pourraient changer. C’est un paysage minimaliste magnifiquement exécuté, qui résume parfaitement son approche de la création d’images en noir et blanc – et de la photographie en général.

“Cette scène a été tournée juste à l’extérieur d’un bed & breakfast où je séjournais avec mon père”, explique Paul. “Je l’avais emmené faire de la photographie au Pays de Galles. Nous avions passé une excellente journée, et j’étais heureux et satisfait à ce moment-là. Pour être honnête, l’heure dorée ne me fait pas grand-chose. C’est magnifique, bien sûr, mais en travaillant en monochrome, la lumière peut être bonne à tout moment. Il s’agissait plutôt d’agir en fonction du sentiment que j’avais de vouloir faire une image, inspirée par l’ambiance, ainsi que par la forme de la baie et la lumière se reflétant sur l’eau. Un sentiment de calme et de joie.”

Les images de Paul, uniformément carrées et élégamment composées, illustrent des compétences astucieuses en noir et blanc, avec une approche durement acquise de la prise de vue en pleine conscience. Autrefois photographe de presse, Paul enseigne aujourd’hui dans des ateliers en mettant l’accent sur le “pourquoi” plutôt que sur le “comment”. “Concentrer son attention sans jugement. Cela vous aide à voir de nouvelles images et à trouver des idées, ce qui peut être accentué par une approche monochrome.

“Avant tout, travailler en noir et blanc est une question de simplicité”, explique-t-il. “Une fois que j’ai identifié un sujet, je ne veux pas qu’il soit enregistré dans une photo encombrée. Je n’aime pas une vie encombrée. Et la couleur est un peu comme le désordre. Elle est criarde et distrayante. Lorsque la couleur est éliminée, les images transmettent plus facilement l’ambiance et l’émotion. Elles deviennent une question de texture, de forme et de tonalité.”

Donc, du fait qu’elles contiennent moins d’informations, les images en noir et blanc sont plus directes ? “C’est exact”, répond Paul. “Elles peuvent dire plus avec moins. La couleur peut gêner et attirer l’attention. C’est un peu la même chose avec mes compositions minimalistes. Les images deviennent puissantes en raison de leur simplicité, et la concentration du spectateur est attirée par cela. En monochrome, j’encourage toujours les gens à travailler de la manière la plus simple possible.

“Cela dit, bien sûr, la couleur est en fait très importante pour les photographes en noir et blanc, car chaque teinte représente un ton. Il faut donc faire attention à la façon dont la couleur d’une scène sera reproduite en monochrome.” On peut en voir un exemple dans l’image délicate d’une fougère réalisée par Paul. “La différence de couleur entre les feuilles fait toute la différence. Ici, les feuilles jaunes sont apparues plus fortement contre les verts plus sombres, même avec la couleur enlevée. Mais ce n’est pas toujours le cas. Par exemple, un rouge vif et un vert vif peuvent tous deux ressembler à des tons moyens en mono.”

Grâce aux fonctionnalités de ses appareils photo Série X et GFX, trouver cet équilibre monochrome est beaucoup plus facile pour Paul. “J’utilise le plus souvent ACROS rouge comme simulation de film”, explique-t-il. “Il a tendance à ressembler à l’écran à ce que je veux qu’il soit dans un tirage. Sur cette base, je règle l’appareil photo pour qu’il prenne des photos en RAW+JPEG, et je n’utilise le premier que si je veux faire plus de changements. Mais ce qui est vraiment utile, c’est la vue du viseur, qui me montre en direct comment les couleurs sont rendues en noir et blanc.

“Mon amour des appareils photo sans miroir Fujifilm a beaucoup à voir avec l’effet du viseur”, poursuit-il. “Il est tellement important que vous puissiez voir comment l’image sera faite, et comment elle change, en fonction de vos réglages. Cela vaut aussi bien pour l’exposition que pour le noir et blanc. Je travaille en manuel et, pour la photo du coucher de soleil dans le Pembrokeshire, j’ai pu la sous-exposer, ce qui a accentué le contraste entre l’eau et la forme de la côte. Là encore, l’aspect plus sombre simplifie les textures et désencombre la scène.”

Mais il reconnaît que la texture est un facteur important pour le monochrome. “C’est certainement l’un des plus grands défis à relever”, dit Paul. “C’est plus difficile que la forme, je pense. Je veux qu’une image montre si quelque chose est doux ou dur. Mais si la texture ressort plus fortement en l’absence de couleur, je ne veux jamais trop retravailler une image en y ajoutant trop de clarté. Au contraire, je fais tout le contraire. Si l’on prend l’exemple de ses photos de fleurs, il est facile de les identifier comme douces et naturelles, comme les sujets devraient l’être, et non comme dures ou sur-traitées, comme cela arrive parfois lorsque les photographes superposent trop d’effets.

“C’est certainement quelque chose qui retient les photographes dans le monochrome”, propose Paul. “L’utilisation du noir et blanc comme outil pour masquer les défauts, plutôt que pour célébrer un sujet. Toute édition doit servir à affiner votre vision originale de l’image, et non à la corriger. Et cela m’amène à l’aspect le plus important de ma propre approche photographique, à savoir l’intention.

“Essentiellement, l’intention est tout”, explique Paul. “Le plus grand défi est de savoir pourquoi vous photographiez quelque chose, et pourquoi vous voulez le faire en noir et blanc. Si vous pouvez répondre à ces questions, vous pouvez aller de l’avant avec une image qui a un sens, et le côté technique de la photographie – ironiquement, celui sur lequel les gens ont tendance à travailler – devient secondaire. L’attention doit être portée sur le premier.” 

L’intention dans son travail monochrome couvre également le format carré. ” J’ai commencé à faire cela sur mes boîtiers originaux de la Série X “, dit-il. “Et je le fais encore sur mon GFX100S. Je crois que les images sont plus fortes si vous définissez un format avant de sortir. En m’y tenant, je trouve que la simplicité d’un cadre carré me donne les résultats que je veux – et cela rend un ensemble de travaux en noir et blanc plus réfléchi et cohérent.”

En accord avec la pleine conscience, la photographie de Paul met également l’accent sur l’attente. “Si je fais une demi-douzaine d’expositions en noir et blanc lors d’une séance, je considère que j’ai été un peu fou de l’obturateur”, dit-il en riant. “Ce qui est important pour moi, c’est d’être présent. Ainsi, pour une image comme celle-ci d’une vague déferlante au large de Beachy Head, je n’ai fait qu’observer. J’ai vu le calme de l’eau, et j’ai attendu qu’une vague solitaire apporte du mouvement dans cet espace.”

Ce processus plus attentif et moins technique est certainement facilité par sa relation avec les appareils photo Fujifilm, explique Paul. Son expérience de la réalisation d’images avec la Série X, et maintenant le système GFX, a ravivé son amour de la photographie. “Lorsque je suis passé d’un reflex numérique plein format au X-Pro1, j’avais presque cessé de prendre des photos. Mon kit précédent était lourd et pas très agréable à utiliser. Mais la Série X m’a redonné du plaisir, notamment grâce aux avantages du viseur électronique. Les appareils se sont tout simplement sentis invisibles, comme il se doit, car la photographie n’est pas une question d’appareils – c’est une question de connexion avec un sujet.”

Pour Paul, cette connexion peut être trouvée partout où il adopte son approche unique de la photographie en noir et blanc… qu’il s’agisse de la côte galloise spectaculaire ou des sous-bois de son jardin. “La joie est dans la vision, et c’est ce que ces appareils m’aident à faire. Il s’agit de trouver le potentiel et la beauté d’une chose, puis de ressentir la joie de la capturer.

“Quand vous donnez un appareil photo à un enfant de six ans, il est juste étonné de pouvoir photographier quelque chose et de le voir ensuite sur l’écran”, conclut-il. “En tant qu’adultes, nous perdons cette innocence de l’expression. Nous pensons que tout doit être parfait. Mais si vous revenez en arrière et retrouvez cette compulsion et cette fascination qui proviennent d’une connexion avec le sujet, c’est là que vous découvrirez la vraie satisfaction du monochrome. En tant que photographes, nous sommes des explorateurs, et c’est notre travail de découvrir ces petits joyaux – et vous ne pouvez les trouver qu’en étant conscient.”