GFX100S : Hair of Power and Grace x Mindy Tan

AU-DELA DU PLEIN FORMAT : REPARTIR DE ZERO ET SE REDECOUVRIR

J’ai commencé à couper mes cheveux lorsque le confinement a débuté en avril 2020. Le monde était tendu. Des emplois étaient supprimés, les gens avaient peur de sortir de chez eux. Les commerces comme les salons étaient bien sûr fermés par peur de la propagation du Covid-19.

Au début, je n’ai coupé que quelques centimètres. Puis je suis devenue plus audacieuse et plus impatiente. Je coupais un centimètre de cheveux chaque fois que j’étais stressée ou que je m’ennuyais. Bientôt, mes longs cheveux qui tombaient sous mes épaules s’arrêtaient sur ma nuque. Je me sentais plus légère. C’était comme si j’avais coupé les liens avec le monde. C’était une thérapie.

En septembre, alors que les règles se sont assouplies et que mes cheveux étaient en désordre, je me suis rendue au salon de Chester pour une coupe rapide. L’idée d’une collaboration m’est venue pendant cette coupe de cheveux. Il avait envie d’être impliqué dans des projets artistiques qui allaient au-delà des rendez-vous quotidiens. Je voulais relever le défi de concevoir et réaliser un film zen et calme, reflétant mon état d’esprit. Mais les étoiles n’étaient pas alignées, nos discussions initiales ne se sont jamais concrétisées et l’enthousiasme est retombé.
Une opportunité s’est présentée quelques mois plus tard lorsque Fujifilm a demandé des propositions pour leurs vidéos YouTube sur le GFX100S ; j’ai soumis un projet.

Le contenu et l’intention du concept derrière la photographie définissent les lignes directrices des tons visuels de l’image finale. Ces intentions adoucissent les aspects techniques de la réalisation d’une image, car l’accent est maintenant mis sur le “pourquoi” de cette réalisation, et ainsi de suite.

Le point de départ pour s’améliorer en photographie est d’affiner ses intentions, tout en répondant aux questions “pourquoi” et “comment”.

“Qu’est-ce que les cheveux ont de si intéressant ?” m’ont demandé quelques amis.
Fujifilm m’a demandé comment j’allais mettre en avant le thème “Au-delà du Plein Format” et a finalement donné son feu vert au projet. 

Dans ma tête, “Au-delà du Plein Format” était un état d’esprit. Ce n’était ni les pixels, ni les cheveux, mais le triomphe des femmes qui était au-delà du plein format. Elles étaient plus grandes que nature.

Jade, Jasmine et Chomar ont été choisies pour leur personnalité plutôt que pour leur chevelure.

Jade est une designer d’intérieur que je suivais sur Instagram. A travers ses mises à jour. Je savais qu’elle avait changé ses cheveux et qu’elle traversait une période d’expérimentation et de traumatisme. J’ai deviné qu’elle serait prête à partager son histoire. Bien que nous soyons des inconnues, je lui ai envoyé un message et nous nous sommes connectées.

Jasmine, je l’avais brièvement photographiée auparavant, en tant que talent pour une publicité. Elle m’a fait une forte impression en entrant dans le studio pour la séance, alors que je ne savais rien d’elle. C’était la façon dont elle se comportait. Lorsque nous nous sommes rencontrées pour discuter de ce projet, elle m’a dit qu’elle souhaitait se raser la tête et cela semblait être la bonne occasion de le faire – devant une caméra. Je ne m’attendais pas à ce que quelqu’un propose une idée aussi audacieuse, et c’était un grand cadeau pour le projet.

Chomar se fait couper les cheveux par Chester. Il m’a dit qu’elle avait des cheveux très denses qui pouvaient être coiffés pour une grande silhouette. La perspective visuelle de tout cela m’a enthousiasmé. J’ai rendu visite à Chomar un dimanche chez elle et j’ai rencontré Peaches, l’oiseau de compagnie de Chomar. Je l’ai un peu sondée et j’ai découvert que Peaches aime se cacher dans ses cheveux. J’ai pensé « Quelle scène excellente !».

J’ose le dire, ces 3 femmes ont chacune leur propre personnalité et leur propre histoire. Elles sont toutes très différentes les unes des autres, et ont emprunté divers chemins dans leur vie. Mais à l’écoute de leurs parcours capillaires, elles sont confrontées à des scénarios de vie similaires, chacune cherchant à repartir de zéro, à se redécouvrir et à s’accorder avec elle-même.

Vous pouvez retirer le photographe de rue de la rue, mais vous ne pouvez pas retirer la rue du photographe. Mon approche de la réalisation d’un court métrage s’apparente à celle d’une photo de rue : rassembler tous les éléments intéressants de la scène et les composer dans une seule image.

Au cours de cette phase de pré-production, j’ai relevé quelques éléments – l’oiseau de compagnie de Chomar, la tête rasée de Jasmine, le bureau et le style de la maison de Jade. Je voulais tirer parti de ces surprises et les intégrer dans le film – ma grande image.

Sauf que la photo de rue se conçoit en quelques secondes. Une vidéo prend beaucoup plus de temps.

L’histoire a une direction, mais elle doit pouvoir se regarder de tous côtés, sous tous les angles. 

LA COLLABORATION AVEC L’EQUIPE

L’équipe de Zechary Guay (prise de vue large et mouvements) et le X-Photographer Derrick Ong (prise de vue rapprochée et ralenti) ont utilisé la simulation de film Eterna sur le Fujifilm X-T4. J’ai utilisé la simulation de film Nostalgic Negative pour la photo et la vidéo (prise de vue directe sur des scènes) sur le GFX100S. Le bouton de bascule rapide entre les modes vidéo et photo et le système IBIS a joué son rôle, il m’a permis de continuer à tenir le GFX100S à main levée sans avoir à recourir au gyroscope pour passer du mode photo au mode vidéo.

En postproduction, j’ai ensuite essayé de faire correspondre les couleurs d’Eterna du X-T4 avec la chaleur du Nostalgic Neg du GFX100S. Nous avons tous les trois harmonisé nos températures de couleur autant que possible.

Chester était le styliste et le directeur de la coiffure. Nous avons échantillonné des images d’autres artistes et échangé des idées entre nous.

Le mood-board était important pour communiquer mes idées à l’équipe afin que chacun ait une vision similaire. J’ai établi des instructions spécifiques pour les mouvements de caméra, le cadrage, l’éclairage et le ralenti… toutes ces idées étaient “vivantes” et le défi consistait à les expliquer à l’aide de mots, de croquis ou d’autres photos. C’était comme essayer de modeler la forme de l’eau.

Le dernier défi de la pré-production a été de mettre en place un calendrier de tournage qui puisse s’adapter à la disponibilité de l’équipe et des talents, ainsi qu’au délai imparti par Fujifilm.

Nous avons dû composer avec la météo, même si nous avons filmé en intérieur. Par exemple, les orages tropicaux quotidiens et le fort tonnerre nous ont empêchés d’enregistrer l’interview de Jasmine à son domicile ; nous avons dû ajourner.

Le projet a été réalisé en 5 semaines. Le montage a pris la moitié du temps et a été le plus difficile pour moi, car c’est là que les idées fluides se construisent en séquence. Beaucoup de choses ont été enregistrées. Tout ne pouvait pas être utilisé. Ce flux joue un rôle important dans l’absorption par le spectateur du contenu, de l’histoire. Mon premier montage, après une semaine, durait plus de 30 minutes. Au final, il a été réduit à 13 minutes.

En tant que photographe, j’ai senti que le processus m’avait poussé à aller plus loin dans la réalisation d’une photographie, plutôt que simplement la prendre. Comme un boulanger qui prend le temps de rechercher les meilleurs ingrédients pour son gâteau, avant de les mélanger.

Réflexions sur la “New American Colour » dans la simulation de film « Nostalgic Negative »

Pour essayer de comprendre la simulation du nouveau film Nostalgic Negative de Fujifilm, en tant que l’un des premiers utilisateurs et testeurs, j’ai commencé mes recherches sur les photographes de la « New American colour » du début des années 1970.

La nouvelle simulation de film présente un éclat et une vibration chaleureux, notamment dans les teintes orange et jaune, excellent moyen de capturer la tonalité de la peau. J’aime la façon dont cette palette de couleurs est combinée avec la finesse du capteur de pixels élevé. Les photos sont saturées mais douces, et non pas pastel. Et ces tons sont très parallèles avec les couleurs de William Eggleston.

Pour situer le contexte, le début des années 70 était une époque où la photographie en noir et blanc était l’institution de choix parce que la pigmentation des couleurs dans les films était encore instable.

“Le noir et le blanc sont les couleurs de la photographie”, déclarait Robert Frank.
“La photographie en couleur est vulgaire”, écrivait Walker Evans.

Il y avait une réticence à accepter la photographie en couleur car elle était un mauvais choix pour la conservation et la préservation des photographies. À l’époque, la photographie était le moyen de communication utilisé officiellement pour la documentation et, occasionnellement, pour le plaisir.

Je pense que photographier en couleur dans les années 70 nécessitait une sorte d’enthousiasme, de risque, de déviance et de conviction de la part du photographe. Une espèce de flamboyance même, de ne pas être trop pauvre pour pouvoir se permettre l’expérience. Un tel statut social affectait donc le choix des sujets qu’un photographe faisait entrer dans son image.

Les photos d’Eggleston mettaient en avant les voitures, la signalétique et parfois les personnes désoeuvrées. L’une de ses photos les plus célèbres, le “plafond rouge” (Red ceiling) de l’appartement d’un ami, était accompagnée d’un “sentiment indéfinissable de menace”, comme l’a dit The Observer.

C’était une époque où le noir et blanc était encore la façon dont le monde était saisi et imprimé. Et la nouvelle couleur américaine (New American colour) des années 70 a marqué un tournant, la pointe de l’iceberg d’une décennie d’essor de la couleur – un tout nouveau monde. Aujourd’hui, en 2021, c’est de cet esprit que s’inspire cette simulation de film.

Comment l’histoire et le contexte changent-ils ma façon de photographier ? 
Pendant les prises de vue et le tournage de « Hair of Power and Grace » avec le GFX100S, j’ai fait référence à la représentation de la lueur chaude de Memphis par Eggleston.

J’ai pensé au premier négatif couleur d’Eggleston en 1965, Sans titre, représentant un garçon. Sa peau enveloppée d’une douceur rose et orange, très saturée, et j’ai décidé d’utiliser des lumières au tungstène pour imiter ce style.

Dans la région tropicale de Singapour, la lumière est principalement d’un blanc éclatant ou s’estompe rapidement dans les gris après un coucher de soleil de 5 minutes. La LED chaude moderne aurait été plus pratique (et plus froide) pour le tournage, mais je crois aux différences subtiles qu’une ampoule à l’ancienne peut apporter.

Le sens de l’histoire des couleurs Fujifilm participe à ma joie, et mon récit, lorsque j’essaie de créer une vision cohérente des couleurs pour mon travail. Croyez-moi, la cohérence peut être une chose délicate lorsque vous photographiez dans des conditions d’éclairage et des lieux différents.

Une autre façon d’apprendre à connaître une nouvelle simulation de film est le montage d’images. La prise de vue et le post-traitement sont des processus que l’on doit maîtriser pour obtenir de bonnes photos.

Selon mes propres réflexions, je prendrais des photos à la fois en Raw et en JPEG. En post-traitement, je tire et je pousse l’exposition des deux fichiers pour qu’ils correspondent à l’image, et je découvre comment la tonalité de couleur change lorsque les arrêts d’exposition augmentent ou diminuent.

Je compare également la différence de richesse de la couleur si elle est produite dans l’appareil (fichier JPEG) ou par des logiciels d’édition.

Le négatif nostalgique étant une couleur nouvelle pour Fujifilm, j’ai passé des heures à jouer avec les photos, de sorte que j’ai l’impression d’intérioriser et de mémoriser la palette de couleurs. La maîtrise et la compréhension de chaque simulation consistent à visualiser et à savoir comment cette couleur fonctionnera avec différents ISO, différentes températures de couleur.

Savoir est important avant d’appuyer sur l’obturateur, car cela me rappelle que je dois m’interroger sur le type de lumière que je souhaite peindre avec l’appareil photo. Cela m’aide à mieux visualiser une photographie, avant de la prendre. Ce genre de travail intellectuel peut être délicieux. Il peut être inspirant, car il est passionnant.

Et j’apprécie vraiment que chaque simulation Fujifilm corresponde à un point de l’histoire qui se connecte au présent.